많은 클래식 연주 전공생들은 연주에 대한 부담과 스트레스를 가지고 있으며 더 나아가 연주불안, 무대공포증 등의 증상을 호소하는 경우를 찾아볼 수 있다. 이러한 현상의 원인은 다양할 수 있지만, 주요한 원인으로 실수에 대한 두려움이나 잘못된 인식 등으로 인해 실수를 회피하고자하는 태도 및 행동을 꼽을 수 있다. 실수를 두려워하고 타인에게 실수가 노출되는 것을 회피하고자 하는 것은 실수를 성장의 촉매제로 활용할 수 있는 가능성을 닫아버린다. 따라서 수많은 무대를 경험할 전공생들의 실력향상을 위해 실수에 대한 부정적인 인식을 바로잡고 무대에서 마주하는 실수를 신속하고 효율적으로 교정하는 훈련이 요구된다.
이에 필요한 기술이자 능력을 연주실수관리라고 한다. 연주실수관리란 연주 중 마주하는 실수에도 유연하게 반응하며, 경험한 실수를 체계적으로 신속하게 개선하는 능력이다. 교육현장에서 이에 대한 필요성을 가질 수 있으나, 이를 위한 해결책으로 심리적 상담이나 리허설 전략 등의 단편적이고 일시적인 방법을 제안할 뿐, 교육적인 자료는 찾아보기 쉽지 않다. 이와 관련하여 체계적인 지도를 실행하기 위한 전략이나 모형에 대한 연구 역시 미흡한 실정이다. 따라서 전공생들의 연주실수관리를 위해 교수자가 지도 시 중요하게 다뤄야하는 요소, 절차, 방법, 전략 등을 안내하는 모형을 개발할 필요가 있다. 특히 대학생보다 입시경험이 비교적 적어 연주에 대한 트라우마가 상대적으로 적을 수 있는 중등학생을 대상으로 개발하는 것은 보다 큰 교육적 효과를 가져올 것이다.
이러한 점에서 본 연구에서는 설계·개발 연구 방법론을 사용하여 기악 전공 중등학생을 대상으로 연주실수관리 향상을 위한 지도모형을 개발하였다. 또한 적용한 모형에 대하여 교수자 및 학생의 실제적인 반응을 확인하였다. 모형 개발을 위해 본 연구에서는 관련 주요 이론의 검토를 비롯한 선행연구 분석과 다양한 측면에서의 자료수집 및 분석을 실시하였다. 이를 통해 연주실수관리 지도모형의 뼈대가 되는 구성요소, 지도원리 및 전략을 도출하였다. 도출된 초기 결과에 대하여 해당 분야의 지도 경험자와 음악교육 전공의 연구자 대상의 전문가 타당화를 실시하여 수정 및 보완작업이 이루어졌다.
연구 결과 연주실수관리 능력의 구성요소로 ‘인식개선’, ‘연주동기화’, ‘실수명료화’, ‘과제전략화’, ‘관리자기화’ 총 다섯 가지를 도출하였다. 이상의 구성요소를 기반으로 1) 실수유연성 원리, 2) 공통 감정 수용 원리, 3) 적정 긴장 원리, 4) 무대목표 원리, 5) 연주효능감 원리, 6) 심상훈련 원리, 7) 실수파악 원리, 8) 목표 구체화 원리, 9) 작품의 특징 파악 원리, 10) 습관적 반응 제어 원리, 11) 실수개선전략 원리, 12) 연주창의성 원리, 13) 연주적응전이 원리의 총 13개 지도원리와 각 원리별 구체적인 지도전략을 개발하였다. 최종 지도모형에는 세부적인 측면에서 효과적인 지도가 이루어질 수 있도록 각 세부단계에 키워드를 제시하고 있으며, 별도의 표를 통해 각 단계별 해당 지도전략을 안내하고 있다. 모형의 단계는 크게 ‘지도’와 ‘실행 및 평가’로 구성되며 지도 단계는 ① 실수관점 이해, ② 실수 분석, ③ 목표 설정, ④ 교정 수행, ⑤ 관리 내면화의 다섯 단계로 이루어진다. 실행 및 평가 단계는 무대연습을 의미한다. 실수관점 이해 단계는 무대에서의 실수에 대한 학생의 인식 및 태도를 파악하고 교수자와의 대화를 통해 인식을 보다 건설적인 방향으로 개선하는 것이다. 실수 분석 단계는 실수의 유형 및 원인을 분석하고 더 나아가 실수의 바탕이 되는 학생의 부족한 점을 파악하고 이해하는 것이다. 목표 설정 단계는 해당 지도에서의 학습목표를 구체적으로 설정하는 것으로, 심리적 목표와 기술적(technical) 목표를 구분하여 설정한다. 교정 수행 단계는 실수를 개선하기 위해 작품의 특징 및 난이도를 파악하고 교수자와의 상호작용을 통해 끊임없이 연주전략을 연마하는 것이다. 관리 내면화 단계는 학습하고 습득한 점을 적용하여 교수자 앞에서 연주를 하고 이에 대한 피드백을 받으며 수업을 정리하는 것이다. 이 과정을 통해 자신이 표현하고자 하는 연주를 정확히 알고 이를 실현하는 과정의 확신을 가진다. 마지막으로 무대연습 단계는 실제 무대환경에서 습득한 기량을 발휘하는 것으로, 학습한 기술 및 전략을 활용하여 교정하고자했던 실수를 개선하는 시간을 가진다. 이는 무대 위에서 음악의 흐름에 집중하는 연습을 수행하도록 이끈다. 또한 무대연습 이후 교수자와 또래동료의 피드백을 통해 개인의 연주를 성찰할 수 있는 기회를 가진다.
본 연구는 기악 전공 중등학생들에게 필요한 연주실수관리 능력의 구성요소를 정립하고, 무대에서의 실수경험을 바탕으로 연주실수관리를 향상시키는 지도원리 및 전략과 지도모형을 개발하였다는 점에서 의의를 지닌다. 이는 연주기술적 지식의 연마에만 중점을 두는 지도를 뛰어넘어 학생의 내면 인식을 개선시킴으로 무대에서의 불안 및 스트레스를 조절시키고 실제 지도현장에 지침이 되는 실질적인 자료를 제공할 것이다.

Many students majoring in the classical music performance are stressed by the burden of performance, even complaining music performance anxiety and stage fright. The major cause may be the attitude and actions to avoid making errors, due to their negative attitude towards errors. The negative attitude towards errors prevent the possibility of using errors as a catalyst for further growth. To improve the capabilities of the students majoring in classical music performance, who will go through countless performance stage in the future, training is needed to manage errors and quickly and efficiently correct the errors they experience in each performance.
The skills and abilities that are necessary to do so are referred to as performance error management. Performance error management is the ability to manage errors with a flexible and emotionally relaxed attitude during performance situations and quickly and systematically correct errors. The need for performance error management is easily recognized at educational sites. However, the solutions that have been proposed are only those that are fragmentary and temporary, such as psychological counseling or rehearsal strategy, and few studies have been conducted on the information and tools that are applicable to the relevant education. In other words, the guidelines or models for designing systematic instructions have not been studied sufficiently. Therefore, the components, principles, procedures, methods and guidelines that must be handled importantly by the teachers when providing the instructions should be taken into consideration to develop the performance error management of the students majoring in the classical music performance. In particular, applying these considerations to the middle and high school students, who may have fewer experiences in the school entrance examinations and thus have less traumas of music performance than the university students, will provide more education effects.
The present study was conducted by employing a design and development research methodology to develop the principles and model for a lesson of instrumental music for the middle and high school students majoring in the classical music performance to develop their performance error management. In addition, the developed model was applied to the teachers and students to examine their responses. To develop the model, previous studies about the key theories were reviewed, and various relevant data were collected and analyzed. Based on the analysis, the components of performance error management were derived with the principles, guidelines and model for a lesson. The initially acquired results were modified and supplemented by performing expert validation with the individuals having teaching experiences in the field and the researchers majoring in musical education.
Based on the results, five components of the performance error management were derived: ‘awareness improvement,’ ‘performance motivation,’ ‘error articulation,’ ‘task strategy,’ and ‘management self-creation.’ From these components, the following 13 principles were developed with the specific guidelines for each principle: 1) principle of error-flexibility; 2) principle of common emotion acceptance; 3) principle of appropriate tension; 4) principle of stage goals; 5) principle of performance-efficacy; 6) principle of image training; 7) principle of error identification; 8) principle of goal specification; 9) principle of music characterization; 10) principle of habitual response regulation; 11) principle of error-improving strategy; 12) principle of performance creativity; and 13) principle of performance adaptive transfer. The finally developed model for a lesson provides the specific sub-steps and key words to help the effective instruction of the details, as well as the teaching guidelines corresponding to each step in a separate table. The model consists of teaching, execution and evaluation steps. The teaching step is composed of ① error reaction appreciation, ② error analysis, ③ setting aims, ④ error correction, and ⑤ management internalization. The step of execution and evaluation refers to the onstage exercise. The sub-step for error reaction appreciation is aimed at the understanding of a student’s attitude toward the errors, and the development of a flexible and emotionally relaxed attitude toward errors through the communication with the teachers. The step for error analysis is to analyze the types and causes of the errors, and further identify and understand the weak points of the student that cause the errors. The step for setting aims is to establish the specific learning goals in the teaching, wherein the psychological goals and technical goals are set up separately. In the step for error correction, the characteristics and difficulties of a musical piece are analyzed to correct the errors, and task strategy is developed through continuous interactions with the teacher. In the step for management internalization, the student plays the music by applying what he/she learned and acquired in the previous steps, and summarizes the lesson while receiving the feedback. Through this stage, the student can recognize his/her own sound more exactly, and learn what a good sound really is. The final step of onstage exercise is to demonstrate the prepared performance in an actual stage environment, in which the student can manage the errors to be corrected by applying the acquired skills and strategy. This step allows the student to concentrate on the flow of music on the stage. In addition, the student can have an opportunity to reflect on their own onstage performance through the feedback from the teacher and the peers.
The present study is significant in that the components of the performance error management that are necessary to the middle and high school students majoring in the classical music performance were established, and the principles of giving a lesson, the detailed guidelines, and the model for a lesson were developed to help the students to improve the performance error management based on the experiences of the onstage errors. Overcoming the limitations of the conventional teaching method focused only on the mastering of the performance technics and knowledge, the results of the present study can provide specific and substantial information for a practical lesson that can be applied to actual education sites to help the students to improve their attitude of errors and control their anxiety and stress on the stage.